Viernes 2 de junio, 20:00 horas. Auditorio de Oviedo, "Rusia Esencial IV",
abono 14 OSPA,
Nicolai Lugansky (piano),
Rossen Milanov (director). Obras de
Jesús Torres,
Beethoven y
Shostakovich.
Han tenido que pasar las horas y alcanzar cierto reposo para escribir estas líneas, tal fue la desazón al finalizar el decimocuarto concierto de
abono de nuestra OSPA tras su paso por
Gijón el jueves. Esperanzado por un programa que conocía, con unas excelentes notas de
Israel López Estelche (enlazadas al inicio en cada compositor) y la presencia de uno de los
grandes pianistas del momento (
entrevistado en OSPATV) acudí con toda mi buena voluntad a disfrutar, pero la alegría se tornó indignación y malestar total a medida que avanzaba la velada, cual cardiopatía que se vuelve congénita y unas arritmias realmente preocupantes. De haber llegado a casa y ponerme delante del ordenador la sensación aún hubiese sido peor, por lo que la opción de posar y reposar, sin repasar (porque sigo volcando mis opiniones de un tirón) creo que dará por lo menos algo más de contención a mis palabras.
Esta temporada hemos tenido a
Jesús Torres (1965) como compositor invitado residente en la
OSPA, lo que nos ha permitido conocer parte de su producción de primera mano, desde la música para el
Fausto en Gijón el mes de diciembre o el
Concierto para violín en enero hasta estas
Tres pinturas velazqueñas (2015) de este viernes, obra ganadora del
8º concurso AEOS-
Fundación BBVA que supone programarla en todas las orquestas que conforman
dicha asociación a lo largo de estos meses,
estrenada el pasado
octubre dentro del Ciclo
Ibermúsica en el
Auditorio Nacional por la
Orquesta de Cadaqués con
Vasily Petrenko, pudiendo escucharse por la
Orquesta de RTVE con José Luis Temes en la web del ente público (
a partir del minuto 51), lo que me dio una idea de esta obra llena de color orquestal escrita con la maestría del zaragozano para poder recrearse con la plantilla ideal (2-2-2-2 / 2-2 / percusión / timbales /arpa /12-10-8-6-4) de la OSPA y su titular de nuevo al frente.
Como una banda sonora llena de "
elegancia y contención" de un cuarto de hora para tres cuadros maestros del sevillano,
Torres traza ambientes difuminados por la cuerda para la "
londinense"
La Venus del espejo con pinceladas de oboe, gotas luminosas del xilófono, reflejos con sordinas de trompetas y verdadera autocontemplación de la belleza donde no falta pasión y autocrítica desde las dinámicas. El resultado con
Milanov a la batuta fue un esbozo, faltó equilibrio y balance, poniendo el foco de atención más en el marco y oropeles del espejo que en la visión de conjunto, ni siquiera el angelote puso la nota pueril.
Cristo Crucificado son claroscuros barrocos arrancados en pianísimo por contrabajos y chelos, la dolorosa calma rota por cielos grises que se abren mediante texturas metálicas y protagonismo subyugante de la percusión, pero de nuevo surgió el trazo grueso en vez de la limpieza colorida, como fijarse en una espina de la corona o el clavo del pie en vez de alejarnos para gozar de la luminosidad central contrastando brutalmente blanco y sangre fluida en la cuerda con el arpa, sutil como pocas en nuestro panorama sinfónico. Tras el dolor llegaría esperado
El triunfo de Baco, popularmente conocido como "
Los borrachos", la orgía a través del ritmo que va modificando y trastocando un
ostinato que me recordó
Asturias de Albéniz, con orquestación explosiva buscando registros extremos, bien escuchados e interpretados por los músicos, aunque el carácter irreverente del cuadro entendido por
Torres pareció más una melopea sin pulsión, una visión miope y desenfocada e incluso un desconocimiento de la propia inspiración de esta música por parte del responsable de transmitir todo el contenido. Si
el búlgaro parecía dominar la música de nuestro tiempo, su versión quedó en vulgar.
Los despropósitos en la concertación por parte de
Milanov vienen
de atrás, pero el
Concierto para piano nº 5 en mi bemol mayor, op. 73 "Emperador" (
Beethoven) con un solista como el ruso
Nicolai Lugansky (Moscú, 1972) no podía salir mal y se cumplió una de las
Leyes de Murphy. Estoy convencido que
esta joya suena sola solamente con escucharse unos a otros, latir todos al mismo compás de una música que fluye de forma natural, pero ya el segundo acorde orquestal presagiaba el desastre. Sin entrar en la gestualidad incomprensible pese al tiempo que vengo observando al
cocinero búlgaro que nunca coincide con lo escuchado, dar la entrada
al solista resultó más en la idea del Baco anterior que en intentar mantener una pulsación uniforme entre piano y orquesta. El
Allegro sonó a trompicones, como un piloto novato que no sabe reducir en una cuesta pronunciada, pues el motor está en perfecto estado demostrado y a punto a estas alturas de la temporada. Tampoco comprendo unos fraseos cortados cuando esperamos unas ligaduras que arropen la presencia del piano, ni una mala costumbre de correr en los
crescendi y ralentizar en los pianos, confundiendo el "rubato" con la arritmia, por lo que intentar concertar solista y orquesta volvió a ser tarea de locos.
El pianista intentó reconducir una obra de
referencia que nos sabemos todos de
memoria pero sin la obligada comunicación con un podio desconectado de
la partitura. El bellísimo
Adagio un poco mosso se fue cayendo hasta la parada cardíaca, marcas de compás que se pierden ¿no se suele subdividir? o peor todavía, dejar la cuerda tan opaca en presencia que la madera detallista sonó como un verdadero borrón en una conjunción tímbrica extraña con un piano siempre presente de nuevo en lucha más que concierto, antes de atacar sin la necesaria decisión el
Rondó: Allegro ma non troppo, no demasiado como se indica pero con la cardiopatía detectada que gracias al ropaje de los sinfónicos pudo salvarse de una muerte anunciada. Mi indignación interior por tal estropicio a una obra de arte me volvió al
"Ecce Homo" de Borja, el emperador reducido a "príncipe" destronado o la
coronación de Napoleón sin saber qué le
depararía su codicia. Mi sofoco tras la burla impidió disfrutar de una propina de
Lugansky que seguramente recordará este concierto como "Los gozos y las sombras", más éstas que aquéllos. Tendría para un todo artículo sobre conjunciones y preposiciones: piano y orquesta, piano con orquesta, piano entre orquesta e incluso piano contra orquesta.
La
Sinfonía nº 1 en fa sostenido menor, op. 10 (
Shostakovich) ocuparía la segunda parte, siempre manteniendo esta estructura decimonónica bipartita de obertura (últimamente con obras actuales) y concierto para solista, más una sinfonía, como plato fuerte de cierre, pero a la vista de los resultados el resultado fue el inverso, de más a menos. En una excelente
entrevista para Codalario,
Victor Pablo Pérez clasificaba las batutas en conductores, directores y maestros, que tras su lectura dejo que cada uno ponga el sustantivo al apellido búlgaro que llevamos un lustro al frente de la orquesta de todos los asturianos.
El director burgalés también recuerda a
García Asensio y su definición de dirigir que muchos no compartimos: «
"Dirigir es un continuo marcar anacrusas"...
Para mí eso no es correcto. Eso es marcar el compás ayudando en las diferentes entradas al músico que cuenta compases». La
primera de Shostakovich tiene
mucha miga para ser un trabajo final de Conservatorio compuesto entre 1924 y 1925: colorida y original en el manejo de los timbres orquestales, un prodigio de hermosura con enorme dinamismo, espectacular unión de ironía, ritmo, sarcasmo y belleza para una obra de un muy joven compositor pero con una madurez extraordinaria, capaz de escribir una obra difícil en sus ritmos y su significado, plagada de sorpresas instrumentales y sonoras desbordando vitalidad, magia, encanto y dinamismo. La versión de
Milanov careció de todo ello, no hubo comunicación ni interpretación pese a las buenas intenciones de una orquesta empastada y lucida en los solistas pero sin fluidez ni química con el podio, incomunicación total. Se me hace difícil escuchar y ver
al búlgaro qué está marcando, divergencia total que me obliga a cerrar los ojos para no confundirme (no quiero pensar cómo lo llevarán los protagonistas) pero el sarcasmo de la partitura se queda en mi visión. Sí hubo dinamismo porque los matices están escritos aunque corresponde al director (desde las "categorías"
apuntadas por Víctor Pablo) diferenciar lo principal y lo accesorio, el protagonismo puntual del sustrato, donde todo suena pero en el plano justo, el balance cual mesa de mezclas donde el ingeniero está al mando. Tomando párrafos de las notas al programa del
compositor cántabro abordo mis impresiones ya reposadas, enlazando vídeos en los cuatro movimientos:
"
El primer movimiento comienza cristalino, como si de música camerística se tratara, un diálogo entre la trompeta y el fagot, apoyado por el resto de vientos y pizzicati de la cuerda, donde los temas se presentan, para desarrollar posteriormente". Pese al equilibrio de efectivos para la ocasión, el cristal quedó opaco y lo camerístico tan solo por un volumen demasiado contenido.
"
En el Scherzo, uno de los movimientos más originales, se hacen oír todas las influencias populares de su experiencia como pianista para cine mudo. La agilidad en los cambios de textura y sonoridad y, especialmente en el Trio, en el que la caja y el triángulo permanecen de manera persistente, creando un sensación de misterio casi se transforman en reflejos cinematográficos" sí hubo presencia de la percusión y la atmósfera de misterio, pero faltó esa agilidad y frescura.
"
El Lento es mucho más lírico e íntimo y es aquí, donde Shostakovich expone su influencia romántica y talento melódico de manera más directa", aunque querer subrayar la melodía con una amplitud gestual en pasajes delicados sigue resultándome extraña. Desaprovechar los recursos no tiene perdón, y dejar morirse un movimiento tan emotivo puede resultar el acompañamiento musical de un patio de butacas cada vez más despoblado. Dejo para los responsables el análisis y posibles causas de un éxodo previsible con el paso del tiempo.
"
Y atacando el Finale, el compositor ruso nos muestra una de sus características más peculiares a nivel formal: el lanzamiento de los materiales a trabajar de manera abrupta, que va desarrollando refinadamente con grandes contrastes texturales, armónicos y orquestales, que se dirigen progresivamente hacia un clímax que resuelve todas las tensiones de la obra", lo abrupto del príncipe mal engrasado, los contrastes desesquilibrados y un clímax más de decibelios que de musicalidad. La grandeza y tristeza de la música cuando pasa de la partitura al momento único e
inaprensible de su ejecución.
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