Viernes 25 de abril, 20:00 horas. Auditorio de Oviedo, "Música y Guerra. La muerte, fuente de inspiración",
abono nº 10:
OSPA,
Nicholas Mulroy (tenor),
José Luis Morató (trompa),
Benjamin Bayl (director). Obras de
Ravel,
Pärt,
Britten y
Haydn.
La
conferencia previa de
Israel López Estelche (autor también de unas excelentes notas al programa, que dejo enlazadas en los compositores) pese a titularse "Thanatos sustituye a Eutherpe: la muerte como acicate" no cayó en el morbo ni supuso planteamientos humanos o divinos, simplemente nos recordó cómo la muerte está presente en las obras de tantos compositores más allá de los que ocupan el décimo programa. Desde su dominio de la música del pasado siglo fue abocetando con rigor y concisión dada la amplitud y subjetividad del tema, autores y obras hasta las más
cercanas y trágicas como las protagonizadas por el terrorismo, citando obras "en él inspiradas" de
S. Reich en torno al 11S como
WTD 9/11 o
J. María Sánchez Verdú del 11M con
Arquitecturas del vacío). Muerte inspiradora más allá que la propia vida desde los inicios, independientemente de cómo la planteemos: vida tras la muerte o vida hacia la muerte, vivir para morir, morir para vivir... apasionante dualidad única, muerte llena de vida, vida llena de muerte.
El
concierto giraba en torno a la atmósfera mortuoria desde la óptica de cada compositor, aunque también distinta la segunda parte, única, más viva y menos emocionante, luz sombría frente a oscura luminosidad como si lo desconocido nos contagiase a todos y lo cotidiano nos hiciese perder tensión, y con un director que no es nuevo en Oviedo, abordando
oratorio,
ópera o
música sinfónica.
La orquestación del propio
Ravel de su nada convencional
Pavana para una infanta difunta aplacó los ánimos con una sonoridad rica, especialmente en una cuerda que este viernes sonó como me gusta, muy trabajada por el
maestro Bayl que pareció buscar tensión e intensidad en todas las obras desde la primera nota. Como continuidad buscada, interrumpida por los aplausos lógicos, siguió el
Cantus in memoriam Benjamin Britten de
Arvo Pärt sólo para cuerda y una campana, auténtico coral desde la cuerda que empastó como si de voces instrumentalizadas se tratase, dinámicas en partitura muy inspirada donde "todo surge y acaba" que escribe
López Estelche. Colocación vienesa pero con los contrabajos a la derecha,
Pärt no sólo rinde homenaje al
siguiente compositor programado sino que preparó a los músicos y público anímicamente, siempre con la clara
dirección del australiano, que marcó arriba el final de la campana para dejarla sonando lo que debía y evitar aplausos indebidos (sigo preguntándome cuál es la razón de parte del público para interrumpir sin degustar el sabor que deja la última nota flotando en el aire).
La obra cumbre de este viernes sería la
Serenata para tenor, trompa y cuerdas, op. 31 de
Britten, compositor al que la
OSPA parece haberle encontrado el punto exacto de entrega, y que tenía como solistas a su
titular Morató, estirpe de
trompistas, y al tenor inglés
Mulroy, ninguno perfecto por distintas razones, pero capaces de emocionar, o al menos conmover al respetable. Tal vez la anterior versión
escuchada hace tres años con dos fueras de serie (especialmente
Wolfgang Wipfler) pusiese muy alto el listón, pero la versión de casa merece el notable.
Morató utilizó, siguiendo las propias indicaciones de
Britten, la trompa natural en el
I. Prólogo. Andante y el
VIII. Epílogo. Andante (fuera del escenario), conocedores de las dificultades del instrumento pero "menos comprometido" que en los seis números centrales
a dúo con el tenor inglés, al que "devoró" no por exceso suyo sino por carencias en el cantante. Los
poemas de
Cotton,
Tennyson, el
anónimo del XV,
Blake,
Jonson y
Keats elegidos por
Peter Pears para que
Britten pusiese en música, llegaron más en su lectura (original y traducida en la revista que no todos teníamos antes del concierto aunque sí en la página de la
OSPA en Facebook©) que en la voz de
Mulroy, algo pequeña por su poca proyección suplida con excelente dicción e implicación anímica más que nada, color muy de réquiem o pasión (también citadas por Israel en la conferencia) pero un color algo distinto al esperado para los poemas elegidos por "
el tenor del compositor". Todo lo contrario a
Morató que se recreó en sus intervenciones, especialmente en las distintas y ricas sonoridades exigidas por la partitura aunque sin plena seguridad como sería deseable, en un instrumento traidor como ninguno, y más de solista. Puede que la muerte siga imponiendo demasiado respeto o levante supersticiones de las que habría para dar y tomar. Lo que quedó claro fue que la serenata de
Britten resultó lo mejor del
concierto, con una orquesta perfecta en calor y color que
Bayl dibujó con claridad.
La
Sinfonía nº 100 en sol mayor, "Militar" de
Haydn relajó emociones en todos, y se notó. Repertorio que viene bien para no olvidarnos ninguno pero al que faltó precisamente la tensión de la primera parte. Todo estaba preparado para dibujar este clásico: disposición vienesa con los contrabajos atrás, trompetas de llaves y trompas flanqueando a la madera, escoltas laterales de timbales de cobre más el trío de percusión "turca" (bombo, platillos y triángulo). El maestro
Bayl marcando todo, silencios expresivos pero luminosos en vez de sombríos, dinámicas muy trabajadas, cambios de
tempi claros pero cierto desencaje entre secciones que no hubo en una primera parte mucho más exigente. Ni siquiera el
Finale: Presto dio sensación de limpia ligereza tras un
Minueto: Moderato que bailó más la batuta que las propias notas escuchadas.
Papá Haydn no tenía el
halo mortuorio pese al sustrato
militar de la encarnizada lucha anglofrancesa, por otra parte previsible (guerra y bondades como otra terrible dualidad). La plantilla adaptada a esta sinfonía londinense debería mantener calidades demostradas de sobra en la sombra, tejida por
Ravel,
Pärt y
Britten, pero
Haydn sonó "mortal" desde esta acepción ambigua.
Comentarios